10 tolle Live-Aufnahmen

Es war ein Trickfilmstreik im Jahr 1941, der Walt Disney dazu veranlasste, mit Live-Action zu experimentieren. Animierte Kurzfilme und Spielfilme waren zeitaufwändig und teuer, und Disney wurde durch The Reluctant Dragon (1941) und So Dear to My Heart (1948), die Live-Action mit animierten Segmenten vermischten, angemessen ermutigt, grünes Licht für den ersten vollständigen Live-Action-Film des Studios zu geben Feature: die Adaption von Robert Louis Stevensons „Treasure Island“ aus dem Jahr 1950.

Da die Steuervorschriften der Nachkriegszeit dazu führten, dass Disney Gelder in Europa gebunden hatte, beschloss er, seine ersten Realfilme in Großbritannien zu drehen. Doch die sinkenden Erträge aus diesen historischen Abenteuern veranlassten ihn, das Burbank-Studio zu renovieren, um dort eine Tonbühne einzurichten. Für die neue TV-Serie „Disneyland“ wurden Inhalte benötigt, daher verlagerte sich der Schwerpunkt auf Themen, die amerikanische Kinder ansprechen würden, wie zum Beispiel die erfolgreiche Davy-Crockett-Trilogie.

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In den 1960er Jahren konzentrierte sich Disney auf zeitgenössische Familienkomödien, in denen häufig Fred MacMurray und Hayley Mills die Hauptrolle spielten und in denen häufig ein uriges, wenn auch lästiges Tier vorkam. Kurt Russell wurde zum prägenden Live-Action-Star des Studios der 70er Jahre und spielte in mehreren Campus-Toben mit. Solche Bilder hielten das Studio über Wasser, während die Animationsabteilung Schwierigkeiten hatte, mit ihrem Publikum in Kontakt zu treten.

Bilder wie Escape to Witch Mountain (1975) führten einen düstereren Ton ein, der sich auch in den Science-Fiction-Filmen The Black Hole (1979) und Tron (1982) zeigte – Filme, die versuchten, auf der Blockbuster-Welle mitzureiten, indem sie neue Techniken wie den Computer einführten -generierte Animation.

Im Jahr 1984 wurde Touchstone Pictures gegründet, um den Markt für Erwachsene zu erschließen, während der Disney Channel sein eigenes Original-Kidpix produzierte. Nur wenige waren beliebter als „High School Musical“ (2006), das auf der Streaming-Plattform Disney+ (gestartet im Jahr 2019) zu neuem Leben erwachte.

Mittlerweile haben erfolgreiche Franchises wie Fluch der Karibik die Tradition inspirierender Attraktionen in den Disney-Themenparks fortgesetzt. Darüber hinaus hat das laufende Projekt, den animierten Juwelen des Studios Live-Action-Umgestaltungen zu verleihen, durch die Kombination von Innovation und Nostalgie Jung und Alt gleichermaßen begeistert.

Regie: Byron Haskin

Fünfzehn Jahre nachdem Disney über eine animierte Version von Robert Louis Stevensons Roman aus dem Jahr 1883 nachgedacht hatte, wurde diese verwegene Suche nach der vergrabenen Beute von Captain's Flint zum ersten reinen Realfilm des Studios. Gemeinsam mit RKO finanzierte Disney das Projekt mit im Nachkriegs-Großbritannien eingefrorenen Einnahmen und besetzte Robert Newton als Long John Silver zusammen mit einer Reihe lokaler Filmstars.

Das einzige amerikanische Mitglied der Besetzung, Bobby Driscoll, kam, um Jim Hawkins zu spielen, nachdem er 1949 in dem Thriller „The Window“ den Oscar als herausragender Jugenddarsteller erhalten hatte. Damit der 13-Jährige jedoch vor Ort im West Country und am Set der Denham Studios drehen konnte, musste Disney gegen die britischen Arbeitserlaubnis- und Kinderarbeitsbestimmungen verstoßen. Newton und Regisseur Byron Haskin kamen bei der Nicht-Disney-Fortsetzung „Long John Silver“ (1954) wieder zusammen, während das Studio für „Muppet Treasure Island“ (1996) und „Treasure Planet“ (2002) zu Stevensons Piratenhandlung zurückkehrte.

Regie: James Algar

Nachdem Disney fünf Oscars für die Kurzfilme der Dokumentarserie „True-Life Adventures“ gewonnen hatte, beschloss es, die Technik, Handlungsstränge den von freiberuflichen Crews aufgenommenen Naturaufnahmen aufzuzwingen, auf einen Spielfilm anzuwenden. Inspiriert durch die Insektenbilder, die der UCLA-Student N. Paul Kenworthy Jr. eingereicht hatte, schickte Disney ihn zusammen mit dem Entomologen Robert H. Crandall in den trockenen Südwesten, um eine Reihe von Minidramen zu schaffen, die ebenso unterhaltsam wie lehrreich sein sollten.

Animierte Karten wurden verwendet, um den Kontext bereitzustellen, während bestimmte Sequenzen durch Spezialeffekte unterstützt wurden. Da Erzähler Winston Hibler sich der Zielgruppe bewusst war, konnte seine Beschreibung von Paarungsritualen und Kämpfen auf Leben und Tod schüchtern wirken, und einige Kritiker beklagten sich über Anthropomorphismus. Doch die Jurys in Cannes und Berlin sowie die Oscar-Wähler waren entsprechend beeindruckt. Darüber hinaus brachte dieser 300.000 US-Dollar teure Dokumentarfilm an den Kinokassen 5 Millionen US-Dollar ein und veränderte die Art und Weise, wie die Natur auf der Leinwand dargestellt wurde.

Regie: Richard Fleischer

Disneys Version von Jules Vernes Science-Fiction-Meisterwerk, ein weiterer Realfilm-Klassiker, der ursprünglich für die Animation vorgesehen war, war ein äußerst ehrgeiziges Unterfangen. Die Aktion erforderte die Installation einer Tonbühne und eines Wassertanks im Burbank-Studio und stellte den Einfallsreichtum der Produktionsdesign- und Spezialeffektteams auf die Probe. Doch Harper Goff wurde für seine Bemühungen sowohl ein Filmauftritt als auch ein Oscar verweigert, weil er kein Gewerkschaftsmitglied war.

Richard Fleischer, der Sohn von Max Fleischer, dem Disney-Cartoon-Konkurrenten aus den 1930er-Jahren, wurde als Regisseur engagiert, während James Mason als Captain Nemo neben Kirk Douglas' Ned Land auftrat. Aber die wahren Stars waren das U-Boot und der Riesenkalmar im stürmischen nächtlichen Kampf. Einige der Sets wurden für eine Attraktion in Disneyland recycelt, während der „Making of“-Dokumentarfilm Operation Undersea (1954) einen Emmy gewann. In jüngerer Zeit haben David Fincher und James Mangold jeweils an einer Nemo-Entstehungsgeschichte gearbeitet, bevor Disney+ die kommende 10-teilige Serie „Nautilus“ in Auftrag gab.

Regie: Robert Stevenson

Disney hatte die traurigeren Aspekte des Lebens nie gescheut. Aber selbst diejenigen, die mit „Dumbo“ (1941) und „Bambi“ (1942) aufgewachsen sind, wären erbleicht, als der Rancher Travis Coates am Höhepunkt dieses beliebten Hundedramas die Schrotflinte der Familie in die Hand nahm und nach draußen spazierte. Studio Suits hatte versucht, Disney davon zu überzeugen, dieser Adaption eines Romans von Fred Gipson ein Happy End zu geben, aber er vertraute seinem Instinkt und der Film brachte über 8 Millionen Dollar ein.

Bei den Dreharbeiten auf der Golden Oak Ranch im Santa Clarita Valley begleitete der bewährte Regisseur Robert Stevenson die Mickey-Mouse-Club-Stammgäste Tommy Kirk und Kevin Corcoran durch ihre Kinodebüts. Anschließend spielten sie Brüder in vier weiteren Disney-Spielfilmen, darunter in der Fortsetzung Savage Sam (1963). Spike, der gelbe Black Mouth Cur, der für drei Dollar aus einem Tierheim gekauft worden war, sollte auch einen weiteren Tag überleben, in Fox‘ Film „A Dog of Flanders“ aus dem Jahr 1960.

Regie: Robert Stevenson

Obwohl „Der zottelige Hund“ (1959) die Vorlage für Disneys verrückte Komödien lieferte, war es der zweite von sieben Aufträgen des Schauspielers Fred MacMurray, der die Formel verfeinerte. Die Handlung wurde von Samuel W. Taylors Kurzgeschichte „A Situation of Gravity“ aus dem Jahr 1943 inspiriert. Aber Ned Brainard, der zufällige Erfinder einer klebrigen Substanz mit zusätzlicher Sprungkraft, basierte auf dem Princeton-Professor Hubert Alyea, dessen Zeuge Disney auf der Weltausstellung 1958 in Brüssel eine explosive Demonstration gegeben hatte. Tatsächlich hat MacMurray sogar einige von Alyeas Manierismen übernommen.

Die Effekte, die Brainards Auto in die Luft brachten und dem College-Basketballteam Schwung verliehen, wurden zusammen mit der künstlerischen Leitung und der Kameraführung des Films für einen Oscar nominiert. Das Studio kehrte für seine allererste Fortsetzung, Son of Flubber (1962), sowie für die Dexter-Riley-Trilogie mit Science-Fiction-Toben mit Kurt Russell in den frühen 1970er Jahren an das Medfield College zurück. Robin Williams spielte den exzentrischen Kerl im Remake von Flubber aus dem Jahr 1997.

Regie: David Swift

Basierend auf Erich Kästners Roman „Lisa und Lottie“ aus dem Jahr 1949 ist diese Irrtumskomödie nach wie vor einer der beliebtesten Disney-Live-Action-Filme. Hayley Mills trifft wieder auf den Regisseur David Swift, der sie in „Pollyanna“ (1960) zu einem „Jugend“-Oscar geführt hatte, und brilliert als eineiige Zwillinge Sharon McKendrick und Susan Evers, die sich im Sommercamp treffen, nachdem sie isoliert in Boston bzw. Kalifornien aufgewachsen sind ihre geschiedenen Eltern (Maureen O'Hara und Brian Keith).

Das Verdienst gebührt dem Effektteam hinter dem Splitscreen-Verfahren, das es Mills ermöglichte, gegen sich selbst zu agieren. Aber vergessen Sie nicht Susan Henning, die Ersatzfigur aus der umgekehrten Perspektive, die für ihren nicht im Abspann aufgeführten Beitrag einen Donald Duck-Sonderpreis von Disney erhielt. Nachdem sie mit dem Lied „Let's Get Together“ der Sherman-Brüder einen unerwarteten transatlantischen Charthit hatte, wiederholte Mills ihre Rollen in drei Tele-Fortsetzungen (eine im Jahr 1986 und zwei im Jahr 1989), bevor Lindsay Lohan 1998 in der Neuverfilmung von Nancy Meyers auftrat.

Regie: Robert Stevenson

Regisseur Robert Stevenson und Drehbuchautor Bill Walsh waren wichtige Mitglieder des Disney-Kaders und das Paar hinter Perlen wie Mary Poppins (1964) und That Darn Cat! (1965) für dieses Autorennen-Spiel wieder vereint, das auf Gordon Bufords Geschichte „Car, Boy, Girl“ basiert. Es erwies sich als das letzte Live-Action-Projekt, das vor seinem Tod im Jahr 1966 von Walt Disneys persönlichem Beitrag profitierte.

Herbie wurde ausgewählt, nachdem die Crew während einer Vorserienreihe schicker Autos viel Aufhebens um den weißen Volkswagen Käfer gemacht hatte, wobei Walsh als patriotische Geste die roten und blauen Rennstreifen hinzufügte. Dean Jones, mittlerweile Stammgast bei Disney, übernahm den Fahrersitz in einem Rallye-Duell mit David Tomlinsons Proto-Dick Dastardly. Lediglich „Butch Cassidy and the Sundance Kid“ schnitt 1969 besser an den Kinokassen ab, und es folgten die Fortsetzungen „Herbie Rides Again“ (1974), „Herbie Goes to Monte Carlo“ (1977) und „Herbie Goes Bananas“ (1980), bevor Lindsay Lohan das Steuer übernahm Herbie voll beladen (2005).

Regie: Gary Nelson

Barbara Harris und Jodie Foster, die aus Alfred Hitchcocks „Family Plot“ und Martin Scorseses „Taxi Driver“ (beide 1976) hervorgingen, spielten Ellen und Annabel Andrews in Disneys lebhafter Adaption eines Body-Swap-Romans von Mary Rodgers (der Tochter des Musical-Maestro Richard Rodgers).

Egal, ob sie sich mit Waschmaschinen oder elektrischen Schreibmaschinen messen oder darum kämpfen, das Autofahren oder Wasserskifahren zu meistern, Harris und Foster liefern wunderbare Darbietungen kontrollierter körperlicher Komik, während Mutter und Tochter während eines Streits beim Frühstück eine unerklärliche Verwandlung erleben. Harris ist oft urkomisch, obwohl jeder von ihnen eine Golden Globe-Nominierung erhielt. Hoffentlich entschädigten dies und die Disney-Kapriole „Candleshoe“ Foster angemessen dafür, dass er nicht in der Lage war, Prinzessin Leia in „Star Wars“ (beide 1977) zu spielen. Shelley Long und Gaby Hoffmann (1995), Jamie Lee Curtis und Lindsay Lohan (2003) sowie Heidi Blickenstaff und Cozi Zuehlsdorff (2018) waren die Headliner nachfolgender Remakes.

Regie: Jon Turteltaub

Disney hatte bereits zuvor Sportfilme wie „Gus“ (1976) und „Die mächtigen Enten“ (1992) gedreht, aber der ursprüngliche Plan, als realistisches Drama an die Fortschritte des jamaikanischen Bobteams bei den Olympischen Winterspielen 1988 zu erinnern, musste nach der Finanzierung auf Eis gelegt werden Lynn Sieferts Drehbuch „Blue Maaga“ blieb aus. Stattdessen entwickelte sich „Cool Runnings“ zu einer Underdog-Komödie, in der das Rookie-Quartett auf dem Weg nach Calgary Widrigkeiten und Vorurteile überwindet. Das Ergebnis betrug 155 Millionen US-Dollar bei einem Budget von 17 Millionen US-Dollar.

Da Regisseur Jon Turteltaub TV-Aufnahmen des tatsächlichen Ereignisses nutzte, blieben ihnen gefährliche Stuntarbeiten erspart, sie mussten sich dennoch mit Anfragen aus dem Büro auseinandersetzen, ihre Akzente an Sebastian, die Krabbe aus „Die kleine Meerjungfrau“ (1989), zu orientieren.

Regie: Kevin Lima

Disney hatte mit der Veröffentlichung dieser liebevollen Parodie auf den Märchenkanon bereits mit der Reihe von Realverfilmungen seiner Zeichentrickklassiker begonnen. Die Entwicklung des Projekts dauerte ein Jahrzehnt, wobei eine Reihe von Neufassungen den Ton von Giselles Odyssee vom verfluchten Königreich Andalasien in das heutige New York veränderten. Nachdem sie Kate Hudson und Reese Witherspoon in der Hauptrolle überholt hat, liefert Amy Adams eine überaus kenntnisreiche Darstellung der zukünftigen Prinzessin ab, die sich durch ein Schachtloch am Times Square von einer Zelle in eine menschliche Gestalt verwandelt.

Ironischerweise erforderte die Neuinterpretation des 2D-Animationsstils aus dem goldenen Zeitalter des Studios die Auslagerung des Eröffnungsteils an eine Firma unter der Leitung des ehemaligen Mitarbeiters James Baxter. Die Bilder sind voller nostalgischer Anspielungen auf vergangene Bilder, kommentieren aber auch vergangene Bild- und Erzählkonventionen. Disney+ veröffentlichte 2022 eine Fortsetzung, Disenchanted.

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